Jaime Rosales (Barcelona, 1970) es un cineasta de alma libre, un autor que transita lejos de los caminos convencionales, fiel a una voz que no se deja domesticar por el mercado. Desde ‘Las horas del día’ (2003) hasta ‘La soledad’ (2007), su mirada ha sido un ejercicio constante de reinvención, una exploración de la vida en sus silencios y fracturas. Con ‘Morlaix’, Rosales nos lleva a un territorio donde el amor adolescente es sólo un espejismo, una puerta de entrada a temas más profundos: el tiempo que se desvanece, la nostalgia que nos rodea, la presencia invisible de la muerte. La película respira con una delicadeza rara, se aleja de los clichés para retratar a la juventud con una inteligencia poco habitual en el cine contemporáneo. Cada imagen es una pausa, una invitación a la reflexión, un murmullo que resuena más allá de la pantalla. Fiel a su esencia, Rosales no busca complacer, sino sugerir, desnudar la realidad hasta encontrar su verdad más íntima. Con un reparto encabezado por Aminthe Audiard y Samuel Kircher, y con Mélanie Thierry y Alex Brendemühl completando el cuadro, ‘Morlaix’ se revela como una obra valiente y esencial, una nueva pieza de un cine que no se rinde ante la inmediatez ni la superficialidad.
“Me da más miedo el amor que la muerte”, dice Jean-Luc. ¿Qué crees que hace que el amor pueda ser más aterrador que la muerte?
Esta frase que dice Jean-Luc es una improvisación de Samuel Kircher. Cuando la dijo, a mí también me sorprendió mucho. Pero como pensaba que Samuel llevaba al personaje de una manera muy poética y auténtica, la mantuve. Lo dirigía muy poco, casi nada. Y todo lo que hacía y todo lo que decía me parecía bien. Esta frase es muy enigmática. Esta película tiene cosas que no son fácilmente interpretables. He realizado más de veinte debates en universidades y museos, donde debatimos todas estas cuestiones, y yo no tengo las respuestas para todo esto. Me parece que el personaje de Jean-Luc idealiza el amor adolescente, lo que da intensidad a la concepción del amor.
La película explora no sólo un primer amor adolescente, sino cuestiones profundas como la muerte, el tiempo y las decisiones que marcan nuestras vidas. ¿Qué te llevó a combinar estos temas universales con una historia de amor juvenil?
Lo que me llevó a hacer esa película son dos cosas. Por un lado, el deseo de realizar una película en Francia, dentro de la cinematografía francesa, con la libertad que ésta ofrece al director. Y esto era un deseo de hace mucho tiempo. Por otro lado, hablar del primer amor era también un deseo de hace mucho tiempo, porque pienso que en la vida hay dos amores reveladores: el primer amor, generalmente el adolescente, en una etapa muy estética, donde todo es posible, todo tiene mucha intensidad, pero también es un amor breve; y el gran amor, que es el amor más adulto, una etapa más serena, donde detrás también está la construcción de una familia y todo esto. Luego llegué a Morlaix, con una geografía muy particular, un viaducto… Podía hacer una película trágica, una película dentro de otra película, y todo esto llegó más tarde. Pero ese deseo de hacer una película sobre el primer amor lo tenía desde hacía mucho tiempo.
Eligiste a Francia para rodar la película, pero ¿qué hizo que Morlaix y Bretaña fueran el lugar perfecto para esta historia?
Quería hacer una película en Francia, pero nunca habría pensado que iba a estar en Morlaix, porque no tengo ninguna conexión biográfica ni personal con Bretaña. Fue simplemente porque llegué promocionando ‘Petra ‘ . Me enviaron a Morlaix, y descubrí a este pueblo tan particular, con el viaducto, el mar tan cerca, los humedales de los Montes de Arrée también muy cerca… Y esta geografía me pareció muy seductora. Me dije: “Me gustaría hacer una película en ese sitio.” Cuatro o cinco años después tuve la oportunidad, y me hizo muy feliz.
En la película, los personajes de Gwen y Jean-Luc viven un primer amor, pero también existe una confrontación con la versión adulta de sí mismos, en la que reflexionan sobre las decisiones que han tomado a lo largo de sus vidas. ¿Qué relación tienes con esta idea del tiempo, las decisiones juveniles y cómo nos afectan a la madurez?
Sí, creo que la edad juvenil es una etapa clave, y para mí, la edad juvenil va de los 17 a los casi 30 años. No es sólo un año, sino un período particularmente trascendental para la toma de dos decisiones importantes: una es qué profesión escogemos, dejando, por tanto, todas las demás opciones de lado, y también la preparación para la elección de la pareja con la que queremos compartir la vida, dejando también fuera las otras posibles. Esta decisión es doble y muy trascendental, pero se tiene tiempo para experimentar y probar con distintas parejas. Estudié una carrera y después hice otra. Mi mujer estudió Biología y después se dedicó a la educación. Esto es posible, pero son decisiones muy importantes porque vivimos una sola vez. No es que todo lo que hagamos no tenga importancia. Y en esa película también se refleja la importancia de estas decisiones.
Las imágenes de personajes en actividades cotidianas, presentadas en blanco y negro, pueden parecer un excesivo recurso estilístico, pero al final adquieren una profundidad emocional que enriquece la narración. ¿Qué querías expresar con las decisiones visuales que tomaste en la película, y cómo crees que estos contrastes ayudarán al espectador a conectar con la historia y las emociones de los personajes?
La película tiene frases enigmáticas, como ésta que hemos comentado de Jean-Luc, y también su estructura es algo compleja. Hay espectadores que me dicen: «No sé por qué dices que es tan compleja, para mí es cristalina.» Yo les pregunto: «¿Cuántas veces muere Jean-Luc? ¿Una, dos o ninguna?» Todas son posibles. No sé, así me salió la película. Es muy libre. Hay muchos elementos que han llegado así. Y creo que también invita a una reflexión sobre la ficción y la vida. ¿Por qué existe la ficción? ¿Qué nos aporta la ficción en la vida? Y la vida, ¿qué es? Quizás también es una ficción.
‘Morlaix’ destaca por la combinación de actores profesionales y no profesionales. ¿Cómo lograste equilibrar la naturalidad y la libertad de interpretación entre ambos grupos? ¿Qué oportunidades o retos te ha dado ese enfoque único?
Es muy curioso porque cuando se mezclan, los actores no profesionales están muy contentos y los profesionales no. Me pregunto: ¿por qué? Y no es la primera vez que me ocurre. ¿Por qué a los actores profesionales no les gusta trabajar con actores no profesionales? Les da miedo, pero yo les doy seguridad. Lo más importante que hago es decir a los actores no profesionales: «No debes interpretar como un profesional. Esto no es el motivo por el que estás aquí. Si quisiera que interpretaras como un profesional, habría traído a un profesional.» Después, procuro darles mucha confianza. «Lo harás bien porque el personaje se basa en tu persona. No debes transformarte en un actor profesional.» ¿Qué ocurre con el profesional? Cuando está delante de un personaje que es muy similar a él, que es muy real, también debe ir al mismo sitio. Si no lo hace, su interpretación será más falsa. Y esto me parece muy interesante. El actor profesional hace necesariamente ese movimiento de desprofesionalización, de naturalización, y el resultado es muy bonito. Lo que ocurre es que, cuando se ve en la pantalla, se siente desplazado.
¿Cómo abordas las transiciones entre pasado y presente en la película, y cuál crees que es la importancia de éstas para transmitir el paso del tiempo y la evolución de los personajes?
Pienso que el cine es el arte del tiempo. Es como un chicle que puede concentrarse o alargarse; ves la historia, la cotidianidad de estos personajes adolescentes, que hablan y viven su vida amorosa, y de repente… ¡elipsis! Veinte años después, ella está con otro chico, está casada, tiene hijos… Y eso creo que forma parte del lenguaje del cine.
En la actualidad, el cine parece estar muy influenciado por la política y las tendencias sociales. ¿Cómo ves el estado actual del mundo del cine? ¿Crees que se ha alejado de la autenticidad y libertad creativa que defendías al principio de tu carrera?
Primero, cuando existe un problema, cuando hay una crisis, debe diagnosticarse. Es decir, debe observarse y hacer una hipótesis. Lo que observo es que todas las películas se asemejan mucho, y temáticamente tratan los mismos temas, que llegan desde la agenda sociopolítica. Todas las películas colocan estos temas en el centro, y el espectador está aburrido de verlo. Cuando voy al cine, o aún peor, cuando miro la televisión, ya sé qué me encontraré. El tema es siempre el mismo: una víctima de un grupo. Y esto es el primer diagnóstico. Es una colonización de la política, que no sólo afecta a la cultura, sino también al deporte. Recuerda el caso Rubiales, cuando éste besó a Jenni Hermoso, lo que llenó páginas y páginas de periódicos de deportes. Esto no tiene nada deportivo, quizás más de sociología o sociedad, y esto ocurre también en el cine. Pienso que el espectador está aburrido de eso, porque tiene la sensación de que es una especie de propaganda.
¿Cómo recuperar la esencia del cine como arte creativo y experimental?
Es necesario volver a los temas. Hay infinidad de temas que no son sociales ni políticos. Por ejemplo, ‘El buscavidas’, de Paul Newman. Nada tiene que ver con la sociología. Es la historia de cómo una persona se convierte en una especie de vampiro y quiere dominar a otra persona. Es un tema puramente humano. Otro ejemplo es ‘Amadeus ‘ , que habla de la rivalidad entre dos artistas, de cómo uno siente envidia y admiración al mismo tiempo por el otro, y quiere ayudarle y destruirlo al mismo tiempo. Es muy interesante y tiene gran potencial para una película. Nada tiene que ver con la sociología ni la política. Hay infinidad de temas y debemos volver a estos temas. El cine debe dejar de lado la política y la temática social para volver a las historias de siempre.
¿Cuál crees que es la clave para estimular y fomentar el potencial de reflexión profunda en los adolescentes, más allá de los temas superficiales?
En un debate en la universidad, uno de los profesores que me acompañaba dijo que hay que invitar a los adolescentes a adentrarse en la profundidad, mostrárselos, y ellos entran. Con mis hijas, si hablamos de temas superficiales como la ropa, los lugares a los que han ido o qué harán, se enganchan. Pero si hablamos de amor, de felicidad, también se interesan. Lo que pasa es que tenemos que confiar en ellos y estimularlo, porque el potencial joven está ahí. Soy consciente de que muchos jóvenes no irán al cine a ver la película, así que debemos llevarla hasta ellos.
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